On m’a demandé d’écrire sur le volume en photographie, et je réponds à cette demande. En fait, cet article devrait apparaître parmi les premiers sur mon blog, mais j'espère que vous direz merci qu'il existe, pour la simple raison que je n'ai pas trouvé un seul article sensé sur le thème du transfert de volume sur le Internet en langue russe dans la photographie.

Dans divers forums photographiques, « de nombreuses copies ont été cassées » sur le thème du volume en photographie. Certains disent qu’une lentille transmet le volume, d’autres disent qu’une autre lentille transmet le volume. Auparavant, je n'avais en partie pas abordé ce sujet, afin de ne pas choquer les photographes débutants.

Commençons donc par le fait que la tâche de transmettre du volume en photographie n'est pas résolue par un objectif.

Appareil de vision humaine

Pour ce faire, nous devons comprendre comment une personne en général (et le spectateur est censé être une personne) voit les objets tridimensionnels, la nature de la vision humaine.

Il existe différents dispositifs oculaires dans la nature, mais pour l'instant nous ne considérerons que les mammifères.
Divisons-les conditionnellement en prédateurs et herbivores.

Ces deux types de mammifères ont une très grande différence en termes de vision : les prédateurs voient une image beaucoup plus volumineuse que les herbivores. Cela se produit pour la simple raison que les yeux des prédateurs sont situés devant et ceux des herbivores sont situés sur les côtés de la tête.

Quelle est la différence sur l’image en termes de transfert de volume avec différentes positions des yeux ?

champ de vision humain

champ de vision du lièvre

champ de vision du cheval

Les diagrammes montrent que les images provenant de différents yeux se chevauchent davantage chez une personne. Et en termes de vision, l'homme est plus proche des prédateurs, qui possèdent également une vision binoculaire efficace et permettent de déterminer avec précision la distance jusqu'à un saut. Ceux. les images des yeux gauche et droit sont assez différentes (plus elles sont différentes, plus les yeux sont séparés. Vous pouvez facilement le vérifier en plaçant votre doigt près de votre nez et en fermant alternativement vos yeux gauche et droit - l'image du doigt se déplacera vers la gauche et à droite) et en traversant ces zones, l'image qu'elles contiennent devient tridimensionnelle.

Mais le même lièvre, bien qu'il voie presque 360 ​​degrés, voit deux images plates distinctes. Il ne voit pas le volume et est obligé d'utiliser d'autres moyens pour déterminer la distance à l'objet et sa forme.

Quel genre d’image donne l’objectif ?

Il est important de comprendre ici que quel que soit l’objectif, il produit toujours une image plate. Pour la simple raison qu’un objectif est un ensemble d’objectifs dans un seul plan et, en principe, il ne peut pas fournir une véritable 3D. Il pourrait fournir de la 3D s'il y avait deux objectifs et que l'image était enregistrée sur 2 matrices ou codée de manière astucieuse sur une. C'est ainsi que les films 3D sont tournés, en utilisant deux objectifs séparés par une courte distance.

Mes pensées
Mais l'objectif a encore une particularité : sa petite taille. Il s’agit encore une fois de la structure de l’œil humain. Nous ne regardons pas avec la même vigilance de tous nos yeux. La résolution de l’œil sur les bords est bien inférieure à celle au centre. Par conséquent, les images avec une faible profondeur de champ nous ressemblent à des objets tridimensionnels rapprochés de nos yeux.

Comment regarder correctement les photos

Vous serez surpris maintenant, mais peu de gens regardent correctement les photographies.

Il s'agit de notre vision binoculaire. La photographie est une chose plate. Notre cerveau reçoit des informations des deux yeux et crée une image tridimensionnelle. Ainsi, si on regarde des deux yeux, il compare les photos et conclut que la photo est plate !

Que faut-il faire pour rendre la photo plus volumineuse ?

Vous devez tromper votre cerveau. Pour ce faire, nous devons désactiver la binocularité de notre vision en fermant un œil. Une photo bien prise paraîtra immédiatement beaucoup plus tridimensionnelle. Ce n’est bien sûr pas mon idée, mais tous les historiens de l’art et physiciens le savent. De plus, il est recommandé de regarder à travers un tube ou, plus simplement, à travers un tube avec votre propre poing, en coupant les objets extérieurs qui affectent notre perception de l'image.

Le point suivant est l’angle sous lequel la photo a été prise. Notre cerveau expose des faux volumes, estimant à quoi devrait réellement ressembler l’image sous un angle donné. Cela signifie que vous devez regarder sous le même angle que celui sous lequel la caméra regardait au moment de la prise de vue.

Illusions de volumes

En fin de compte, si nous ne parlons pas de photographie 3D, nous avons affaire à l’illusion de volume dans une photographie, et non au volume lui-même. Cette illusion doit être créée d’une manière ou d’une autre.

Volume d'un objet en photographie de produit

Les artistes utilisent pour cela la formule suivante : surbrillance, lumière, demi-teinte, ombre propre, reflet, ombre tombante.

Mise à jour : 16/11/2013

Je photographiais ces œufs de dragon pour une galerie d'art et j'ai décidé qu'ils seraient parfaits pour l'illustration.

Je vais ensuite dessiner ma boule et mon cube et les remplacer. Je n'ai tout simplement pas le temps.

Mise à jour : 16/11/2013

Je ne l'ai pas dessiné, mais j'ai retrouvé une des compositions que j'avais photographiées pour un atelier de bijouterie, avec un parallélépipède rectangle à la base.

Lumière- c'est la zone de la surface d'un objet qui reçoit le plus grand flux de rayons lumineux directs.
Demi-ton- une zone de la surface d'un objet éclairée par des rayons lumineux glissants. Une demi-teinte est divisée en une demi-teinte de lumière et une demi-teinte d’ombre.
Ombre(propre ombre) - une section de la surface d'un objet où les rayons de lumière directs et glissants ne tombent pas. C'est la zone la plus sombre de la surface d'un objet.
Cliquez sur– apparaît sur des surfaces brillantes ou vernies, le plus souvent dans les zones lumineuses.
Réflexe- une section de la surface d'ombre d'un objet qui reçoit un flux de rayons lumineux réfléchis par les objets environnants ou par la surface sur laquelle se trouve l'objet.

Tout cela s’applique pleinement à la photographie, si l’on parle de photographie de produits.

Quelle est la différence entre la gauche et la droite, à part l’arrière-plan ?
Quelle photo semble la plus volumineuse et pourquoi ?

Pensez-y.

Répondre: C'est simple. La photo de gauche présente moins de fonctionnalités de volume de la liste ci-dessus que celle de droite.

Cela signifie que pour donner du volume à une photo, vous devez essayer de reproduire autant de caractéristiques de volume que possible.

Permettre à votre sujet d'avoir une ombre ou s'en passer ?
L'objet aura-t-il des reflets ou rendra-t-il la surface mate ?
Y aura-t-il des ombres profondes ou les mettra-t-on en valeur ?
Y aura-t-il des demi-teintes ou un fort contraste ?

Le photographe répond à toutes ces questions, guidé par le cahier des charges et la volonté de donner du volume à l'objet, car c'est le photographe qui contrôle les sources lumineuses dans la photographie de sujet.

Si vous connaissez ces principes, presque tous les objets peuvent être simplifiés en boules et en cubes, puis travaillés sur leur volume à l'aide de réflecteurs.

Points importants

Entre autres choses, il y a encore un point qui ajoute du volume. Diviser une image en plans - recto et verso, ainsi que lorsqu'un objet en obscurcit un autre. Plus une perspective géométrique.

Comme vous pouvez le constater, dans ce cas, nous n'agissons pas sur les yeux, mais sur le cerveau, créant ainsi l'illusion de volume.

Volume d'un objet en photographie de paysage

La photographie de paysage diffère de la photographie de sujet dans la mesure où nous ne contrôlons pas les sources de lumière. Nous ne pouvons que choisir l'angle, l'heure et le lieu de prise de vue appropriés pour créer l'éclairage dont nous avons besoin.

Quelques paramètres de transfert de volume dans photographie de paysage nous avons encore un contrôle limité.

Perspective linéaire

Si vous sortez et regardez au loin, vous pouvez observer les phénomènes suivants :

La largeur de la rue semblera de plus en plus petite à mesure qu'elle s'éloigne de l'observateur, bien qu'en réalité la largeur de la rue soit la même sur toute sa longueur ;
- les poteaux électriques et les lampadaires, étant de taille égale, paraîtront de plus en plus petits à mesure qu'ils s'éloigneront ;
- de même, les bâtiments paraîtront plus petits à mesure qu'ils seront éloignés de l'observateur ;
- les rails de la voie du tramway, étant parallèles, sont perçus comme des lignes qui se croisent au loin.

Des phénomènes similaires de réduction prospective peuvent être observés partout. Nous voyons chaque objet non pas tel que nous le connaissons, mais toujours dans une perspective déformée.

distorsion de la perspective

Un exemple de perspective linéaire sur la photo(tous les objets, comme on l'a dit, sont déformés, mais ici la perspective linéaire attire le regard).

Perspective aérienne

Lors du choix d'un emplacement et d'un angle de prise de vue, vous devez tenir compte de ce qui sera au premier plan de la photo et de ce qui sera à l'arrière-plan.
Les plans peuvent différer en luminosité ou en netteté. Ainsi, notre cerveau est habitué au fait que le premier plan est plus net et que l'arrière-plan semble flou. Ça s'appelle.

Les artistes l'utilisent activement.
En général, les artistes ont été les premiers à découvrir toutes les manières de créer l'illusion du volume.

Exemples de perspective aérienne sur la photo

exemple de perspective aérienne

Perspective tonale

Entre autres choses, je voudrais attirer votre attention sur les tons chauds et froids des peintures. Vous avez bien sûr vu des photos teintées modernes, où les ombres prennent des tons froids et les reflets des tons chauds. Maintenant vous savez que cela a été inventé il y a longtemps :)

Les objets plus proches dans un tableau sont généralement représentés dans des tons chauds ou naturels, et les objets éloignés dans des tons bleutés. C'est ainsi qu'on les voit dans la vie parce que... Nous voyons les objets lointains à travers une épaisse couche d’air, qui elle-même a généralement une couleur bleue (à peine visible à faible densité).

Exemples de perspective tonale sur la photo

Caractéristiques physiologiques de la vision humaine

Entre autres choses, il existe une petite astuce que les artistes utilisent, car ils connaissent les particularités de la vision d'une personne, comment elle regarde une image. L’une des caractéristiques est le lien dans notre cerveau entre le besoin de déplacer le regard et la taille de l’objet. Si l’œil est obligé de se déplacer sur un objet, cela signifie que l’objet est éloigné du premier plan ou qu’il est grand.

Par exemple, vous pouvez tracer des lignes diagonales qu'une personne suivra inconsciemment avec son regard et créera une sensation de perspective supplémentaire. Entre autres choses, si les objets éloignés suivent les règles de la perspective géométrique, la sensation sera plus complète.

De quels outils disposions-nous pour créer l'illusion de volume dans une photo de paysage :

1. Objets au premier plan et à l'arrière-plan (divisant l'image en plans)
2. Perspective aérienne (les objets éloignés perdent en clarté)
3. Tonifier avec des tons chauds et froids (perspective tonale)
4. Perspective linéaire (Plus un objet est éloigné, plus il est petit)
5. Diagonales (faire bouger l'œil le long de la ligne et créer la sensation d'un gros objet)

Cependant, beaucoup.

Vous pouvez également l'ajouter pour mettre en évidence les objets au premier plan.

Je n’ai pas découvert l’Amérique ici, et les artistes sauront certainement me compléter ou me corriger de manière significative.

Il y a beaucoup plus à écrire dans cet article, mais je le publie tel qu'il est actuellement, car il sera extrêmement difficile de l'écrire jusqu'au bout. Beaucoup d'objets, beaucoup de situations...

L'essentiel est qu'il n'y a aucun article sur la photographie avec ces règles simples sur RuNet. Je serai un pionnier.

Vos commentaires, questions et corrections sont les bienvenus.

MISE À JOUR : 15/07/2013

Stanislav a gentiment fourni cette photo car elle lui semble avoir un « effet 3D ». J'étais d'accord avec lui.

Maintenant, regardez attentivement la photo pour voir quels signes de volume vous voyez (après tout, ce n'est en fait pas de la 3D, mais une illusion 3D).

1. La première chose qui attire votre attention est l’abondance d’objets sur différents plans. Au premier plan se trouvent des fleurs. Derrière eux, au bord de l'étang, se trouve un arbre (2 pièces). Au-delà des arbres, c’est facile à deviner, se trouve la base de la Tour Eiffel. Et au fond, il y a des maisons.

Plan (du latin planum - plan) - zones spatiales de distances variables, correspondant généralement aux parties les plus significatives ou visibles de l'image et ayant la signification des principaux points de référence lors de la transmission de la profondeur sur un plan (en particulier dans les paysages). Il existe des premiers plans (au premier plan), des deuxièmes (au milieu) et des arrière-plans (distants) qui, selon le schéma paysager classique, correspondent aux tons marron, vert et bleu.

2. La base de la tour oblige nos yeux à glisser en diagonale vers le haut le long des supports.
3. Il y a aussi une perspective géométrique dans l'image (la base de la tour est clairement déformée dans les proportions).
4. Nous avons des fleurs rouges au premier plan et un ciel bleu et blanc en arrière-plan.
5. Un fait important est que sur la photo, les arbres masquent à certains endroits la base de la tour (ce qui signifie qu'ils sont situés plus près du spectateur que la base de la tour). Des fleurs obscurcissent l'étang et le support éloigné de la tour se dresse derrière les maisons à l'arrière-plan. Ceux. la base de la tour relie le milieu et l'arrière-plan.

Références :

"Entertaining Physics" de Perelman, tome 1 et tome 2
des tutoriels de dessin en grande quantité

P.S. Ils sont proposés à la vente en parquet de luxe. Le prix d'une planche de parquet est de 4 000 roubles + livraison chez vous.
Si vous le faites vous-même, cela coûtera plus de 6 000 roubles.
J'ai acheté en gros et en grande quantité, donc je revends le surplus.

Tous ceux qui ont soutenu le projet peuvent obtenir le bouclier pour 2 000 + frais d'expédition. De plus, je vais juste donner quelques boucliers à bonnes mains(). Comment cela sera mis en œuvre (loterie ou quelque chose de similaire) - j'y réfléchirai. Ce seront les premiers bonus de vos investissements. J'espère que vous serez satisfait.

Des panoramas parfaits et des photos en trois dimensions avec une couverture à 360 degrés peuvent être pris même avec un smartphone ordinaire. Il vous suffit d'installer une application spéciale et de suivre nos conseils.

Google Street View : une application pour photos 3D

Avec l'application Google Street View, disponible gratuitement sur Android et iOS, vous pouvez créer de véritables panoramas photo à 360 degrés.

• Après avoir installé l'application, cliquez sur l'icône orange de la caméra dans le coin inférieur droit. Ici, vous pouvez choisir si vous souhaitez connecter l'application à un appareil photo panoramique professionnel à 360 degrés, importer une photo à 360 degrés ou utiliser l'appareil photo de votre téléphone.
• Pour prendre une photo en trois dimensions, vous devrez tourner plusieurs fois autour de son axe, en tenant le téléphone sous différents angles. L’essentiel est de s’assurer que vous n’ayez pas le vertige.
• Lors de la prise d'une photo panoramique, l'application affiche des points orange vers lesquels vous devez pointer l'appareil photo.
• Après avoir pris une photo, attendez un moment pendant que l'application l'enregistre.

Secrets Android et iOS : ce que l'application Appareil photo peut faire

Si vous ne souhaitez pas installer l'application Google Street View, utilisez l'application Appareil photo standard trouvée sur n'importe quel smartphone Android ou IOS. L'application standard ne permettra pas de réaliser un véritable 360 ​​degrés, puisqu'une telle prise de vue n'inclut pas les zones de la terre et du ciel dans le cadre, mais le résultat peut quand même être tout à fait correct :

• Ouvrez l'application Appareil photo et sélectionnez le mode Panorama. Après avoir commencé la prise de vue, une ligne apparaîtra sur l'écran du smartphone le long de laquelle vous devrez déplacer l'appareil.
• Pour prendre une photo avec des transitions subtiles, tournez lentement autour de votre axe.

Comment créer le panorama parfait ?

Pour être sûr d'obtenir toujours des photos panoramiques parfaites, n'oubliez pas deux facteurs importants:

• Prenez des photos dans un environnement calme : il est préférable qu'il n'y ait pas de personnes ou de voitures en mouvement dans le cadre.
• Prenez des photos panoramiques dans des conditions d'éclairage uniforme pour éviter les transitions brusques dans la photo finale.

Photoplasticon ou Panorama Impérial

Le grec stéréos signifie « corporel », « volumétrique ». Le son surround est la norme acceptée de nos jours, mais la photographie stéréo (ou photographie 3D) reste une bizarrerie pour beaucoup. Mais en vain, car cela permet de capturer la réalité à peu près de la même manière qu'une personne la voit.

La photographie traditionnelle a développé un sérieux arsenal de moyens techniques et artistiques pour transmettre le volume : profondeur de champ, distance focale de l'optique, perspective, motifs d'ombres et composition. Le cerveau humain peut obtenir des informations sur l’espace à partir du contenu d’une image plate. Mais la photographie ordinaire est incapable de transmettre directement le volume tel qu’une personne le perçoit.

Le volume et la profondeur d’une image sont une chose subjective, puisque nous sommes limités par nos sens. Les axes des yeux d'une personne se croisent selon un certain angle au point vers lequel notre vision est dirigée. Le résultat est une paire d'images plates dans lesquelles il y a un décalage dans l'espace visible (parallaxe). À la suite de la fusion de ces images, une image tridimensionnelle apparaît dans l’esprit. La perception du volume permet la distance entre deux points (par exemple les yeux), appelée base stéréo. La distance peut être modifiée en utilisant moyens techniques(par exemple, jumelles stéréo ou télémètre d'artillerie). À mesure que la base stéréo augmente, la profondeur de champ diminue et l'acuité visuelle augmente.

La photographie stéréoscopique est une méthode de prise de vue qui implique que l'appareil photo ait deux « yeux » au lieu d'un. Nous ne parlons pas nécessairement de lentilles. Le résultat est important : des images sur film avec le décalage de base nécessaire. La photographie stéréoscopique ne crée pas une image tridimensionnelle dans la réalité, mais elle permet une substitution intelligente de l'espace réel par une photographie prise et préparée d'une manière particulière.

La capacité des photographies 3D à transmettre la structure complexe de l'objet représenté est particulièrement précieuse dans les genres « techniques », tels que la photographie d'architecture, de paysages naturels et urbains et la macro. L’utilisation de la photographie stéréoscopique à des fins artistiques fournit des outils créatifs complètement nouveaux.

Histoire de la photographie stéréo

En 280 avant JC. e. Euclide a découvert pour la première fois que la perception de la profondeur dans l'espace est obtenue précisément parce que chaque œil voit des images légèrement différentes du même objet. À sa suite, Léonard de Vinci décrit ces capacités en 1584, consacrant plusieurs de ses ouvrages aux particularités de la perception visuelle. La théorie de la perception stéréoscopique a été présentée sous forme scientifique par l'opticien et géomètre allemand Johannes Kepler dans son ouvrage « Dioptrics » (1611). Deux ans plus tard, le jésuite François d'Aguillion utilise pour la première fois le terme « stéréoscopie ».

Vers 1600, l'artiste italien Giovanni Battista della Porta peint le premier tableau stéréo. Au début du XVIIe siècle, son expérience est répétée par Jacopo Chimenti da Empoli, qui utilise la technique des images appariées. Un siècle et demi plus tard, le Français G. A. Bois-Clair créait des images tridimensionnelles selon la méthode raster. L'écrivain russe Léon Tolstoï a réussi à s'essayer aux dessins stéréoscopiques. Au XXe siècle, l'Espagnol Salvador Dali a peint des peintures en trois dimensions selon la méthode de la toile à aiguilles proposée par l'inventeur du cinéma volumétrique, l'émigrant russe Alekseev. La visualisation des images obtenues à l'aide des méthodes raster et aiguille ne nécessitait aucun appareil spécial.

La découverte de la stéréophotographie est associée au nom de Charles Wheatstone, professeur au King's College de Londres. En 1833, Wheatstone a créé un stéréoscope à miroir, un appareil qui vous permet de voir une image en trois dimensions à l'aide d'une paire d'images originales décalées. Le scientifique a d’abord utilisé ses dessins comme objets. Conformément aux expériences, une base scientifique a été créée. En 1838, Wheatstone a présenté un rapport historique sur les problèmes d'obtention d'images tridimensionnelles devant la Royal Society de Londres. Le rapport était intitulé « Sur certains phénomènes remarquables et jusqu’ici inobservés de la vision binoculaire ».

Pourquoi Wheatstone a-t-il utilisé des dessins plutôt que des images photographiques dans son stéréoscope ? La réponse est simple : la photographie a été inventée par le Français Daguerre six ans seulement après la découverte de Wheatstone, en 1839. Wheatstone n'a présenté au public les premières photographies prises selon la méthode stéréoscopique qu'en 1851, à l'Exposition universelle de Londres.

Le premier appareil photo à deux objectifs, conçu pour créer des paires stéréo, a été créé en 1849 par le scientifique écossais David Brewster. Brewster est également le créateur d'un simple stéréoscope sans miroirs. En 1855, le Français Bernard crée le premier miroir pour appareils photo mono-objectif conventionnels, qui permet de filmer des paires stéréo. Un peu plus tard, l'Anglais Barun a amélioré cette conception.

L'un des premiers à apprécier le potentiel de la photographie 3D fut le journaliste anglais Roger Fenton, qui voyagea en Russie dans les années 60 du XIXe siècle et est l'auteur d'une série de photographies consacrées à la guerre russo-turque. Dans ces mêmes années, le célèbre photographe français Antoine Claude s'intéresse à la photographie 3D et ouvre le Temple de la Photographie de Londres en 1851. Selon Claude, le stéréoscope sous une forme bon marché et compacte présente un modèle de tout ce qui existe dans différents domaines globe. Fait intéressant, c'est Claude qui, en 1853, a breveté une méthode permettant d'obtenir des photographies stéréoscopiques.

En 1858, le Français Joseph d'Almeida découvre une méthode anaglyphe pour créer des images tridimensionnelles, qui permet de visualiser des images tridimensionnelles à l'aide de lunettes à lentilles rouges et vertes. Cette méthode était utilisée pour créer des livres, des cartes postales, des bandes dessinées et des cartes géographiques. Dans les années 1920, apparaissent les premiers films anaglyphes, appelés plastigrammes.

Au début du XXe siècle, le physicien français Jonas Lippmann a découvert une méthode permettant de créer des images ne nécessitant pas d'appareil de visualisation spécial. Les images doivent avoir une surface spéciale basée sur un réseau de lentilles (raster). La surface est constituée de microlentilles, sous lesquelles se trouvent des fragments d'images pour les yeux droit et gauche. En regardant l'image sous un certain angle, vous pouvez voir une image en trois dimensions. Le photographe Maurice Bonnet a utilisé pour la première fois la méthode raster dans les années 1930 pour créer des portraits en trois dimensions.

De nos jours, la méthode de création d'images raster consiste à préparer un support papier sur un ordinateur, qui est ensuite imprimé. par des moyens ordinaires et est équipé d'un écran en plastique avec une lentille raster. Cette méthode utilisé lors de la création de calendriers de poche avec des images en trois dimensions ou lors du changement d'images (effet vario).

La photographie stéréoscopique est apparue presque simultanément avec la photographie conventionnelle. Cependant, il a fallu près de cent ans pour qu’il gagne en popularité. Au début du XXe siècle, la stéréophotographie était perçue comme un divertissement de masse et non comme une forme d’art. Les attractions basées sur l'effet stéréoscopique étaient populaires. Les boîtes contenant des images stéréographiques représentant des vues de pays lointains prises par des voyageurs, des croquis de villages et des modèles nus se sont généralisées.

Dans la première moitié du XXe siècle, l’intérêt pour la photographie stéréoscopique était très élevé. Les premiers appareils photo commercialisés par Franke & Heideke ont été conçus spécifiquement pour la photographie stéréo : le Heidoskop (1920), qui tournait sur film en feuille, et le Rolleidoskop (1922), qui utilisait un film en rouleau (format paire stéréo 6 x 13 cm). Bientôt, le Stereoflektoscop de Voigtlander (format 6 x 13 cm) et le Verascope du français Julius Richard (format 45 x 107 cm, type de film 127) sont apparus en vente.

En 1939, l'Américain William Gruber fonde la société View-Master, qui produit un an plus tard une caméra stéréo à film étroit. View-Master a produit de nombreux appareils innovants pour prendre et visualiser des photos et des films en 3D.

L'avènement du film diapositive couleur Kodachrome très détaillé à la fin des années 1930, ainsi que la popularité croissante des appareils photo compacts à film étroit, ont contribué à l'émergence dans les années 1940 et 1950 d'un grand nombre d'appareils photo stéréo avec un format d'image de 24 x 23. mm (Edixa, Iloca, Kodak Stereo, Stereo-Realist) et 24 x 29 mm (Belplasca, Verascope F40). Les sociétés allemandes Zeiss (Contax) et Leica proposent des adaptateurs de miroir qui vous permettent de prendre des photos en trois dimensions sur des appareils photo télémétriques conventionnels. Notez que la conception avec une troisième lentille de visée ou un télémètre jusqu'à aujourd'hui n’a pas subi de changements fondamentaux.

Dans les années 1950 et 1960, on assiste à un regain d’intérêt pour la stéréophotographie. Des caméras spéciales et des accessoires stéréo, des stéréoscopes pour visualiser les images sont produits. Des ensembles de souvenirs sont vendus, composés de diapositives appariées illustrant les attractions du monde. Des caméras stéréo ont été utilisées pour photographier la surface de la Lune, de Mars et du Soleil dans les programmes spatiaux américains.

À l’avenir, la photographie 3D attirera probablement beaucoup plus d’attention qu’elle n’en reçoit actuellement. Bien sûr, cela dépend socle technique, qui est constamment amélioré. En attendant, il existe deux manières simples de créer des photos 3D.

À propos d'Adobe Photoshop

Adobe Photoshop est l'un des packages les plus populaires pour le traitement des graphiques raster. Malgré prix élevé, le programme est utilisé jusqu'à 80% designers professionnels, photographes, infographistes. Grâce à ses énormes fonctionnalités et sa facilité d'utilisation, Adobe Photoshop occupe une position dominante sur le marché des éditeurs graphiques.

Des outils riches et une facilité d'utilisation rendent le programme pratique à la fois pour la correction simple de photos et pour la création d'images complexes.

Sujet 3. Améliorer les photos. Leçon 7. Des moyens simples pour augmenter le volume d'une photo dans Photoshop.

Le monde qui nous entoure est volumineux. Et les photographies sont une feuille de papier plate ou un écran de contrôle. Ce qui semble beau en réalité ne peut pas toujours se vanter d’être « photogénique ». Mais comme on dit, il n’y a pas de mauvaises images. De plus, cette leçon Photoshop est incluse dans le thème « améliorer les photographies ».

Au cours de la leçon, vous apprendrez à ajouter simplement et facilement un effet « tridimensionnel » - pour améliorer l'effet visuel du volume de votre photo ou, comme on dit aussi, pour améliorer la profondeur de la photo.

Pour commencer, cela vaut la peine de comprendre Qu’est-ce que le volume et comment le percevons-nous ?. Dans l’ensemble, la perception du volume dépend de la façon dont nous percevons la profondeur des ombres. Comment un objet affecte les autres situés « plus loin ». Et, bien sûr, quelle partie de la photo est « nette ».

Ainsi, les problématiques liées à l'ajout de tridimensionnalité à une image se résument souvent à deux actions principales :

1. Travailler avec les ombres et les contours des objets : améliorer les limites de la lumière et de l'ombre
2. Travailler avec la netteté et le flou dans différentes zones de la photo

Cette leçon décrit algorithmes simples premier groupe. Naturellement, il ne couvre pas toute la variété des outils, mais il montre avec quelle simplicité et rapidité (en 5 à 6 minutes) vous pouvez améliorer considérablement l'apparence de votre photo. Commençons.

Partie pratique.

Mais il y a des choses plus intéressantes et des moyens puissants ajouter du volume à une image à l'aide d'Adobe Photoshop. Ils sont très similaires. Dans les deux cas, un calque de copie est superposé à la photo, traité à l'aide des filtres Photoshop standards. La seule différence est l'effet final.

Augmentez le volume à l’aide du filtre Emboss.

Pour obtenir une « photo 3D » vous aurez besoin d’un nouveau calque. Pour cela, sélectionnez simplement « Calques"paragraphe" Dupliquer le calque" Ou appelez la palette des calques (« Fenêtre» - « Calques», raccourci clavier F7). Et dans le menu de la palette (ou menu contextuel), sélectionnez l'élément du même nom. Plus de détails sur les calques et la manière de les utiliser ont été abordés dans les leçons précédentes. Notions de base dans la leçon "Sélection : Géométrie simple". Superposition et interaction dans la leçon « Améliorer la netteté en superposant des calques ».

Ensuite, vous devez renforcer les zones de transition de lumière et d'ombre sur la photographie : les limites des objets. Il est conseillé de le faire sans modifier la structure d'éclairage des surfaces. Et ici, un « effet secondaire » des modes de fusion des calques dans Photoshop est utilisé. N'oubliez pas que la plupart des modes ont une exception (ne fonctionne pas) dans le cas d'un remplissage gris à 50 %. En conséquence, la tâche consiste à créer une photo grise avec des lignes sombres et claires sur les contours.

La première façon d'obtenir l'effet est d'appliquer un filtre " Gaufrage"de l'ensemble standard Adobe Photoshop.

Pour appeler un filtre :

1. Assurez-vous que le calque cible est actif
2. Dans le menu " Filtre" sélectionner " Stylisation» - « Gaufrage»

En activant l’option d’aperçu, vous comprendrez immédiatement les spécificités du fonctionnement de l’outil. Cela crée l'effet d'imprimer un objet tridimensionnel sur, par exemple, du papier humide.

Une fenêtre de paramètres apparaîtra. Filtrer " Gaufrage" n'a que trois paramètres :

1. Coin. Il est responsable de l'angle selon lequel les ombres et les zones de surbrillance seront appliquées.
2. Hauteur. Définit la largeur du chemin traité en pixels. Visuellement – ​​« hauteur d'estampage ». Dans le même temps, à petites valeurs, le résultat du traitement en gamma est proche des « niveaux de gris ». À des valeurs élevées, de nombreuses couleurs étrangères apparaissent suite au traitement.
3. Effet. Ce paramètre est responsable des détails. Aux valeurs minimales, seuls les contours des objets les plus grands présentant de fortes transitions de lumière et d'ombre aux limites sont traités. Aux valeurs maximales, le « contraste » est activé dans les tons moyens - de petites zones avec des limites pas particulièrement prononcées.

Afin de modifier l'apparence des contours de la zone de transition dans l'image, il faut qu'ils soient plus clairs ou plus foncés que 50% de gris. La présence d'une couleur différente dans d'autres zones n'est pas souhaitable. Pour ce faire :

• Sélectionnez le filtre " Gaufrage»
• Réglez l'angle de manière à ce qu'il suive la direction de la lumière sur la photo. La deuxième méthode consiste à définir le vecteur outil perpendiculairement au vecteur d’éclairage.
• Ajustez la hauteur et l'effet d'application.
• Cliquez sur le bouton D'ACCORD»
• Appliquez le calque obtenu en utilisant l'une des méthodes du groupe " Affûtage»
• Si nécessaire, ajustez la transparence du calque supérieur

Le résultat est une image dans laquelle les zones d’ombre et de lumière sont extrêmement mises en valeur. Cela crée un doux effet de « volume ». Remarquez l'arbre au premier plan.

Remarques:

• L'angle sous lequel le filtre est appliqué est très important. Si, à la suite de l'application d'un filtre, les zones de lumière et d'ombre sur deux calques ne correspondent pas, au lieu du volume, vous obtiendrez une photo floue et terrible.
• Lors du réglage de la hauteur, gardez à l'esprit qu'à des valeurs plus élevées, des couleurs supplémentaires apparaîtront. Peut-être qu'une petite retouche ferait l'affaire. MAIS pas toujours. Soyez prudent avec les valeurs" Hauteurs»
• Paramètre " Effet» avec un volume croissant, il devrait presque toujours dépasser 200 %. Sinon, vous obtiendrez des limites nettes en remplissant la plupart des surfaces « nuageuses ». Par exemple, les contours des arbres en surbrillance sans les contours du feuillage. Ce n’est pas toujours justifié ni beau.

Conseils pratiques : Cette technique (à petites valeurs de paramètres) peut être utilisée pour restaurer des photographies très floues. Par exemple, des portraits anciens. L'essentiel est de deviner la direction de la lumière et de supprimer les parties où la « texture volumétrique » interférera.

Augmenter le volume à l’aide du filtre Relief.

Augmenter le volume d'une photo grâce au gaufrage méthode efficace. Mais, hélas, il présente une très grande limitation en profondeur. Si vous avez besoin d'un fort effet de volume, l'outil décrit ci-dessus ne vous aidera pas. Il est préférable d'utiliser un filtre similaire mais plus puissant. Nous parlons du filtre Relief».

Ce filtre crée une monnaie stylisée basée sur l'image. Dans ce cas, les couleurs définies comme « principale » et « arrière-plan » dans la palette d'outils sont sélectionnées comme couleur et matériau de surbrillance.

Il est conseillé de toujours faire attention à ce paramètre. Il est conseillé de se limiter au noir et blanc.

Filtre d'appel " Relief" peut être réalisé de deux manières :

1. Dans le menu " Filtre"paragraphe" Esquisser» - « Relief»
2. Appel " Galerie de filtres» (« Filtre» - « Galerie de filtres"). Et sélectionnez " Esquisser» - « Relief».

Dans les deux cas, la palette des paramètres de filtre est appelée. Il fait partie d'un bloc appelé " Galerie de filtres" Et, en plus de créer " Relief", dans la palette, vous pouvez sélectionner d'autres filtres pour le traitement de l'image. Mais c'est un sujet pour une leçon distincte. Revenons à l'ajout de dimension à notre photo.

La palette de filtres de netteté comporte plusieurs paramètres de base.

La principale différence par rapport à ceux évoqués précédemment est qu'il occupe toute la surface de l'espace de travail. Et la fenêtre d'aperçu devient un outil clé (l'image originale n'est pas visible).

Dans le coin inférieur droit se trouve un bloc permettant de définir l'échelle d'affichage. Il sera très utile. Surtout s'il est nécessaire de visualiser un fragment.

Sur le côté droit se trouvent les commandes de filtre.

Curseur " Ddétaillant"responsable de combien petites pièces sera "frappé". Cela fonctionne de manière similaire à l’option Effet dans le filtre Emboss.

« Atténuation« - l'échelle est responsable de la netteté des transitions de lumière et d'ombre. Dans notre cas, vous ne devez pas régler le curseur sur les points limites ni « adoucir » excessivement les limites.

Menu déroulant Direction. Hélas, le filtre « relief » ne permet pas de changer radicalement le sens du rapport entre la lumière et l'ombre. Un nombre limité de préréglages sont disponibles. Les plus sûrs viennent d’en bas et d’en haut. Les options de gaufrage « latéral » ne sont efficaces que dans des conditions de faisceau de lumière puissant et visible provenant d'un côté de la photographie.

Travailler sur la création d'une base pour une superposition à l'aide du filtre " Relief» c'est simple. Pour obtenir le résultat :

• Copiez le calque
• Définissez les couleurs de premier plan et d’arrière-plan dans la barre d’outils sur noir et blanc.
• Sélectionnez le calque de copie
• Appelez le filtre " Relief»
• Réglez les paramètres de détail au maximum et les paramètres d'anticrénelage au minimum (mais pas égal à zéro)
• Sélectionnez la direction pour ajouter du volume
• Appliquer le filtre
• Dans les modes de fusion, choisissez celui qui convient le mieux en fonction de vos besoins et des spécificités de la photo.
• Ajustez l'opacité du calque.

La figure ci-dessous montre la différence entre les options blanc/noir et noir/blanc pour choisir les couleurs principales et d'arrière-plan.

Dans le premier cas, le volume descend (supprime). Dans le même temps, la saturation des couleurs dans les zones claires est quelque peu perdue.

Dans le second (noir sur blanc), c’est l’inverse. Les éléments de l’image semblent « flotter », se rapprochant du spectateur. Faites attention au ciel : les couleurs claires sont mieux préservées.

Cependant, dans les deux cas, il y a un gros inconvénient : la structure et le volume apparaissent là où ils ne sont pas souhaitables. Par exemple, « l'effet de poursuite » sur l'herbe, un talus trop sombre (surtout en mode « noir sur blanc »).

Vous pouvez utiliser une gomme pour supprimer les effets indésirables. Utilisez un pinceau aux bords doux. Dans ce cas, les modes d'opacité et de pression doivent être réduits à des niveaux ne dépassant pas 30 %. Les paramètres de l'outil Gomme sont similaires à ceux du pinceau. Vous pouvez en savoir plus sur les points auxquels il faut prêter attention dans la leçon « Sélection avec les canaux ».

• Sélectionnez la couche supérieure
• À l'aide d'une gomme douce (en ajustant périodiquement le diamètre du pinceau), effacez les informations aux endroits où une structure excessive est nocive. Par exemple, les zones de ciel et d'herbe.
• Le résultat est visible dans la figure ci-dessous.

Améliorer le volume à l'aide du filtre de contraste de couleur

Nous avons déjà abordé le filtre « contraste des couleurs » dans le cadre de la leçon « Le fin travail de la netteté ». Par conséquent, cela n'a aucun sens de décrire la palette de paramètres - il suffit de lire le sujet précédent.

Si, lorsque nous travaillions avec la netteté, la tâche consistait à souligner les bords et à ne pas permettre aux informations de couleur d'apparaître, nous avons maintenant besoin de couleurs. Du moins là où le volume sera mis en valeur. Il est conseillé de laisser les zones restantes aussi grises que possible.

Sinon, travailler avec ce filtre est similaire à ce qui a été appris plus tôt dans ce didacticiel Photoshop.

Pour gagner du temps, passons directement à l'algorithme des actions :

• Créer une copie du calque
• Après avoir sélectionné la copie, appelez le filtre " Contraste des couleurs».
• Ajustez le " Rayon" pour que les zones de transition entre lumière et ombre deviennent les plus lumineuses possibles, tandis que les zones de " remplissage lisse " restent proches du gris.
• Cliquez D'ACCORD.
• Choisissez un mode de fusion de calques approprié
• Ajustez la transparence du calque supérieur.

Le résultat de l’application de ce filtre est visible sur la figure. Cependant, il ne faut pas se limiter au groupe « Affûtage ». Essayez tous les modes de fusion. Beaucoup d’entre eux donneront un effet inattendu mais très intéressant.

Techniques photographiques pour transmettre la profondeur de l'espace dans une photographie

Contrôler la profondeur de champ

Néanmoins, nos lentilles ont une propriété similaire à celle du dispositif de vision. C'est la profondeur de champ - la profondeur d'un espace nettement représenté. Pensez-vous que ce n’est pas vrai parce que nous voyons généralement tout ce qui nous entoure comme net ? Apportez votre doigt à votre nez et concentrez-vous dessus. L'arrière-plan deviendra flou. En utilisant une faible profondeur de champ, nous mettons en évidence le sujet principal de la prise de vue en nous concentrant dessus. Dans le même temps, les personnages mineurs et l’arrière-plan sont flous, imitant notre mécanisme de vision.
Bien entendu, cette méthode n’est pas utilisée en photographie de paysage, où tous les plans doivent être dans la zone de netteté.

Comment obtenir une faible profondeur de champ et un magnifique bokeh :

• Plus c’est ouvert, plus c’est flou.
• Utilisez des objectifs rapides. Par exemple, je photographie le plus souvent avec des valeurs d'ouverture comprises entre 1,8 et 2,2 ;
• Plus la focale est longue, plus le flou est important, plus le bokeh est beau, plus l'image est plastique ;
• Plus le modèle est proche (le portrait est grand), plus le flou est important ;
• Un appareil photo à capteur complet produit plus de flou qu'un capteur de recadrage ;
• Pour avoir quelque chose à flouter, il n’est pas nécessaire de placer le modèle à proximité du fond (à côté du mur, de la clôture, de l’arbre). Il est toujours préférable de les séparer en plans avec différentes zones de netteté. Ce conseil s’applique également à la photographie en studio.

Bien souvent en studio, avec des murs clairs en arrière-plan et de nombreux accessoires, il est difficile de distinguer le modèle. Mais si vous l'éloignez de l'arrière-plan et photographiez avec une ouverture ouverte, les photographies semblent beaucoup plus habiles, en mettant l'accent sur l'essentiel. Il faut aussi savoir travailler l'intérieur !

Diviser la scène entière en premier plan et arrière-plan

Tous ceux qui ont même une légère idée de composition savent sûrement qu'il faut essayer d'utiliser plusieurs plans dans une photographie. Lors de la prise de vue de paysages, tout le monde s'en souvient, mais lors de la prise de portraits, ils l'oublient souvent. Mais personne n’a annulé l’effet de la planification comme moyen de donner de la profondeur.

Contexte - fond. Il doit être choisi de manière à ce que rien ne dépasse comme du modèle, et qu'il soit joliment flou dans le bokeh (bien sûr, s'il ne s'agit pas d'un paysage). Utilisez les règles de perspective linéaire, aérienne et colorée (plus ci-dessous). Plan moyen- c'est notre modèle, le sujet principal du tournage. Ce serait bien de placer autre chose dans le même plan que le modèle qui sera dans la zone de netteté (un buisson, des brindilles avec des feuilles ou des fleurs sur un arbre). Cela donnera une sensation supplémentaire de profondeur et de planification.

Le premier plan est ce qui est souvent oublié en photographie de portrait. Cela permet de mieux transmettre la profondeur. À partir du premier plan, vous pouvez créer une sorte de cadre encadrant l’intrigue – un moyen efficace de construire une composition. De plus, le sentiment de voyeurisme est ainsi véhiculé lorsque l'on souhaite transmettre la facilité et le naturel de la scène.
Vous pouvez utiliser des branches de buisson, des fleurs et des branches d’arbres basses comme premier plan. S'il n'y en a pas à proximité, demandez à un assistant de tenir les branches préparées devant la caméra. Dans le studio, vous pouvez utiliser des accessoires appropriés, des fleurs et jeter un coup d'œil derrière les portes légèrement ouvertes.

Le premier plan peut aussi être simplement de l'herbe, floue dans le bokeh : il suffit de baisser votre point de prise de vue et de photographier en position assise ou allongée. Si des objets volants sont utilisés lors de la prise de vue (pétales de fleurs, feuilles d'automne, plumes, pages de papier, confettis, etc.), demandez à votre assistant de les disperser dans des plans différents du modèle afin qu'ils soient à la fois dans la zone de netteté et flous dans la zone de netteté. les plans recto et verso. De tels détails « introduisent » effectivement le spectateur dans l’image lorsqu’ils semblent s’envoler de l’espace. la vraie vie en photographie.
Il arrive qu'il ne soit pas possible de placer immédiatement quelque chose au premier plan lors de la prise de vue (par exemple, cela ne rentre pas dans le cadre). Ensuite, vous pouvez photographier une branche appropriée séparément, puis l'ajouter à l'aide de Photoshop, ou en utilisant le même programme, créer un premier plan à partir des espaces vides. fond transparent, trouvé sur Internet. N'oubliez pas de les flouter à différents degrés dans différents plans.

La photographie de paysage utilise souvent un objectif grand angle pour capturer le premier plan. Les objets situés devant (pierres, rondins, pont, etc.) semblent nous entraîner dans le tableau. La distorsion géométrique d'un grand angle dans ce cas n'est que bénéfique. La même technique peut être utilisée dans les portraits, améliorant le premier plan et l'effet « traîné ».

Perspective linéaire

Il s'agit d'un changement naturel dans l'échelle des images d'objets divers situés sur un plan. Plus un objet est proche de la caméra, plus il est grand.

Le premier signe de perspective linéaire est une diminution de l'échelle des objets en retrait, le second est la tendance des objets parallèles à converger en un point de la ligne d'horizon.
Que faire pour transmettre cette perspective très linéaire dans le cadre:

• choisissez un bon arrière-plan. Un chemin qui s'étend au loin (droit ou sinueux), une route, des rails, une rangée de maisons, un long couloir, des piliers ou des colonnes - tout cela contribue à transmettre la perspective et à créer l'effet de la présence du spectateur dans le cadre ;
• essayez de placer le modèle et la convergence des lignes de perspective aux points de puissance, mais pas au même ;
  Ne placez pas vos lignes de manière à ce qu'elles fassent sortir votre regard du cadre. Le regard doit suivre à l’intérieur du cadre et s’y balader ;
• Parfois, vous pouvez utiliser un objectif grand angle tout en vous rapprochant du modèle. Cela améliore le transfert de perspective, car dans la vie, nous regardons aussi le monde sous un grand angle. Dans ce cas, placez le modèle au milieu, car les distorsions géométriques augmentent vers les bords du cadre.

  Perspective tonale

  Ce phénomène physique, dont l'essence est que la lumière traversant un milieu transparent - l'air - est réfractée, diffusée et réfléchie. Selon l'état de l'atmosphère, sa pollution et son humidité, la lumière est plus ou moins diffusée dans la couche d'air. Ensuite, nous voyons une brume aérienne (distances mises en évidence). Comprenez-vous maintenant pourquoi de tels paysages aériens sont obtenus tôt le matin ou dans le brouillard, lorsque l'air est pur et humide ?
  Pour transmettre une perspective aérienne, rappelez-vous que plus l’objet est éloigné :

• les tons les moins saturés ;
• contours moins clairs des objets photographiés (brume);
• contraste plus doux;
• détails plus légers.

Si vous avez eu de la chance et avez pris des photos tôt le matin à l'aube, l'appareil photo transmettra peut-être toutes ces nuances. Dans le cas contraire, cela peut simplement être pris en compte lors du traitement :

• réduire la saturation de l'arrière-plan ;
• augmenter la netteté et la clarté du modèle (et du premier plan dans le paysage) ;
• augmentez le contraste des objets proches, laissant l'arrière-plan peu contrasté ;
• ajoutez des points lumineux à l'arrière-plan ou dessinez du brouillard ou de la brume (avec un pinceau blanc à faible transparence en mode de fusion « Écran ») ;
• assombrir le premier plan, faire une vignette.

Couleur

La couleur et le volume sont également étroitement liés. Les couleurs saillantes (chaudes) sont perçues plus près, les couleurs fuyantes (froides) sont perçues plus loin de leur position actuelle. Ce phénomène est appelé stéréoscopie chromatique. Les artistes utilisent avec succès cet effet pour transmettre des formes tridimensionnelles. Son efficacité a été testée dans la pratique de la peinture et lors du travail avec des intérieurs et des armoires. Les couleurs fuyantes et saillantes peuvent déformer visuellement l’espace tridimensionnel ou donner à un plan un aspect volumineux et en relief.
Les couleurs chaudes et froides situées à proximité s’aident mutuellement à paraître plus lumineuses et plus fortes. Le chaud devient encore plus chaud et le froid devient encore plus froid.

En utilisant le contraste du chaud et du froid, vous pouvez mettre en valeur l’essentiel de la photo. Les propriétés spatiales sont également influencées par la différence de luminosité et le contraste des taches de couleur de l'objet. Avec un contraste élevé, une tache de couleur plus petite devient accrocheuse et se démarque comme une figure, tandis qu'une plus grande est perçue comme un arrière-plan. Les couleurs accrocheuses et contrastées se démarquent et se démarquent. Avec un contraste faible à moyen, les couleurs grises sont supprimées.

Comment utiliser le rendu des couleurs pour améliorer l'effet de volume en photographie :

adopter une approche réfléchie en termes de couleur dans le choix du modèle (couleur des cheveux), de l'arrière-plan, des vêtements, des objets d'intérieur et des accessoires ;

des sources de lumière peuvent être utilisées lors de la prise de photos différentes températures. Dans un studio, il peut s'agir d'une lumière froide provenant d'une fenêtre combinée à une lumière artificielle chaude et constante, des sources constantes de différentes températures de couleur conviennent également. A l'intérieur, vous pouvez combiner lumière naturelle provenant d'une fenêtre ou de la lumière d'un flash réfléchie en combinaison avec la lumière chaude des lampes, des bougies, des guirlandes en arrière-plan ou au premier plan ;

Teintez la photo en post-traitement. Il existe de nombreuses options : de la tonalité séparée (split-toning) des lumières et des ombres en tons chauds ou froids en mode « semi-automatique » à l'aide des fonctions Photoshop jusqu'à la peinture des objets souhaités avec un pinceau (en mode « Lumière douce »). ;

Faites attention non seulement aux combinaisons de couleurs harmonieuses, mais également à la quantité de chaque couleur sur la photo. Mettez en surbrillance les principaux objets et détails sur lesquels vous souhaitez vous concentrer ;

travaillez correctement avec la saturation : les couleurs saturées et pures sont perçues de plus près, et les moins saturées - plus loin.

Idéalement, vous souhaitez que la photo utilise plusieurs des techniques ci-dessus. Vos photos prendront alors vie et scintilleront, comme dans la réalité tridimensionnelle.